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El año pasado, los hermanos John y Drew Dowdle estrenarn The Poughkeepsie Tapes. Era el tercer trabajo de John como director y guionista, y el primero en el que contaba con Drew a
la hora de elaborar el libreto. Esta cinta de terror se presentaba a modo de cintas encontradas, que mostraban las torturas de un psicópata. Sin duda, era la mejor carta de presentación para encargarse de otra
"falsa cinta real", la de Quarantine, remake de la española [REC].
John y Drew Dowdle |
Quarantine |
Pregunta: No desperdiciaron su ocasión de presentar su visión del film.
John: Drew y yo fuimos los elegidos desbancando a unos directores mucho más potentes. Pero supongo que
al ser dos, nuestra candidatura tenía sus ventajas. Trabajamos día y noche y nos empleamos al máximo para
conseguir el proyecto.
Drew: Creímos que era el trabajo perfecto para nosotros. Tenía numerosos elementos de realismo, como
nuestra película anterior, así que perseguimos el objetivo al máximo.
P: No pudieron ver [REC] antes de comenzar a adaptarla.
J: Lo que hicimos fue adaptarla antes de verla. Ni siquiera habían terminado la película original. Vimos
el guión y un tráiler y a partir de ahí nos pusimos a trabajar. Hacer un remake es un proceso interesante.
De algún modo es más liberador, aunque por otro lado establece unos límites creativos. Pero nos gustó tanto el
material original que nos entusiasmó el proyecto.
D: Fue agradable tener un material tan bueno con el que trabajar. Quisimos mantenernos fieles al
original porque funcionaba en numerosos aspectos. Creo que el impulso primero es ponerse a cambiar cosas e
intentar mejorar lo que ya está hecho, pero nosotros tuvimos que contenernos en muchas áreas y no desbaratar lo
que ya era brillante en origen. Al final quedamos satisfechos con el equilibrio que encontramos entre la
fidelidad con el original y nuestro sello personal.
P: Entre las modificaciones, le dieron más realismo a la película.
J: Fuimos muy cautelosos a la hora de asegurarnos que en la película no sucediera nada que se saliera de
los límites de la realidad. La naturaleza de "realismo inherente" de la película es lo que la distingue de la
mayoría de filmes de género.
P: La acción se desarrolla casi por completo en tiempo real, con una sola cámara.
J: El espectador lo ve todo desde el punto de vista de la cámara. Las películas en las que no puedes ver lo que sucede a tu alrededor ni lo que
hay al otro lado de una puerta tienen un punto adicional de terrorífico. Cuando te limitas a ver a través del objetivo de la única cámara, te sientes como
si estuvieras allí con ellos.
D: Disfrutamos mucho jugando con la iluminación imperfecta y con los desencuadres. Una naturaleza tan imperfecta da la sensación de realismo. Y en
la cultura actual de YouTube, todo el mundo está acostumbrado a ver las imágenes tal como se graban. Verlo todo desde una cámara subjetiva tiene un gran
significado para los espectadores.
Quarantine |
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P: Optaron por rodar en el orden del guión.
J: Nuestros experimentos solían cambiar el aspecto de los actores o la realidad de la situación en que se encontraban. Si hubiésemos filmado
desordenadamente, todo se tendría que haber decidido previamente, en lugar de in situ. Drew y yo sentimos la necesidad de rodar de esta forma. Además, cuando un personaje muere, el actor termina su trabajo. Había una cierta sensación de pérdida al interpretar una muerte, porque cuando sucedía,
el equipo se despedía del actor.
P: La selección del papel protagonista era clave. Para ello eligieron a Jennifer Carpenter.
J: Drew y yo éramos fans de Dexter y también nos había gustado El Exorcismo de Emily Rose, pero no nos habíamos dado cuenta de que
era la misma persona. En cuanto lo supimos, tuvimos claro que su interpretación sería extraordinaria. Jennifer es sensacional. Se mantiene en su lugar
todo el día y se entrega por completo en todas las tomas. Además, aporta grandes ideas y tiene un enorme talento. No hay nada que no pueda hacer.
D: Jennifer es excepcional. En todas sus tomas se la ve tan real… Ha sido una estupenda líder de todo el reparto y podemos sentirnos afortunados de haber tenido entre nosotros a una todoterreno como ella.
P: Steve Harris interpretó a Scott, y apenas aparece en la película, aunque oimos su voz tras la cámara.
J: Inicialmente le hablamos a Steve acerca de un papel con bastante tiempo de pantalla. Pero un día vino a verme y me dijo que quería hacer el
papel que finalmente acabó siendo. Sólo él veía en aquel personaje unas posibilidades que nadie más apreció.
P: Rodar cámara en mano es todo un reto.
J: Con el ritmo frenético del rodaje y la cámara en medio de la acción como si fuera un personaje más, nos dimos cuenta de que gran parte del
trabajo de hacerlo lo más real posible recaía sobre la cámara, con los personajes golpeándola, empujándola hacia otro lado o incluso agarrándola.
Un par de veces tuvimos que parar para recolocar algunas piezas que se habían salido y volver a rodar sin problemas. Teníamos una cámara filmando a 15
actores, en ocasiones con especialistas, efectos y todo tipo de elementos –muchos días los pasamos rodando una sola escena. Un plano secuencia de cinco
minutos requiere un gran esfuerzo de ensayo. Muchos días no comenzábamos a rodar hasta casi el final de la jornada, y entonces grabábamos, grabábamos y
grabábamos. No fue la típica cobertura que suele hacerse en una película normal. No se podría ocultar gran cosa durante el montaje, así que el rodaje tenía
que ser perfecto.
P: También suponía integrar a los especialistas en la escena.
J: No se podía separar a los especialistas del rodaje y filmarles por separado como suele hacerse. Se tuvieron que incorporar de forma orgánica en
el conjunto. Los actores interpretaban su papel, y de repente aparecía un especialista, y los actores tenían que seguir con su escena.
D: Tirar niños escalera abajo o personas por el hueco de la escalera… eso ya es un nivel totalmente distinto, ¡y es sensacional!
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